Justus Müller . SkulpturenMärz – April ’07
Kleine Werkschau
Stein . Holz . Bronze
Rolf Jahn . Malerei . Grafik15. Juli - 14. Oktober '06
Raldystische Kunst
Weder konventionell noch avantgard-istisch, weder rein abstrakt noch rein gegenständlich ist die Kunst von Rolf Jahn (geb. 1962 in Lüneburg). Sie fällt aus dem Rahmen, sie fällt auf, dem Künstler fällt ständig etwas Neues ein. Die eigenwillige reduzierte Formensprache und der selbstbewusste Umgang mit einer ausgefallenen Farbigkeit geben seiner Malerei so etwas wie ein Alleinstellungsmerkmal, machen sie unverwechselbar. Menschen und Tiere, Einzelne und Gruppen bevölkern seine Bilder, wecken Erinnerungen, rufen Assoziationen ab, erzählen Geschichten, lassen die Betrachter solche erfinden und sind dazu angetan, sich intensiv mit den Bildern auseinander zusetzen. Da gibt es Vorlieben für gewisse Motive aus der Tier- und Menschenwelt, aber im Prinzip herrscht ein dynamisches Verhältnis zwischen dem reichen Motivschatz und seinen scheinbar unendlichen Variationen.
Vor fantasievollen Hintergründen, die von monochrom eingestrichenen Aquarellen bis zu Blättern aus Tapetenbüchern reichen, entwickelt Rolf Jahn mit schnellen Linien zeichenhaft seine Figuren. Sie wechseln zwischen ruhiger Haltung und heftiger Bewegung ab. Da scheint kein Strich zu viel, keine Farbe abwegig, kein Ornament daneben, keine Komposition überfüttert zu sein. Seine Kunst lebt mit einer schmunzelnden Balance zwischen den Stilen, den ernsten und heiteren Themen, dem Alltag und der besonderen Situation. Seine Kunst findet spontanen Zuspruch, quer durch die Generationen und Seherfahrungen, sie ist sehr begehrt und dennoch nicht teuer. Auch das gehört zu seinen Prinzipien. Seine Malerei und Zeichnung, die immer wieder ineinander greifen, firmieren unter dem Begriff "Raldystische Kunst". Sie wissen auch noch nicht, was das ist?
Die geistreichen Bilder mit ihren hintersinnigen und doch lesbaren Inhalten werden es Ihnen erläutern.
Lezzüeck Asturias Coosemans . Malerei15. April - 14. Juli '06
Momente des Wandels
Transformation charakterisiert die Veränderung der Gestalt, der Form oder der Struktur in eine andere ohne Verlust der Substanz und ist das Thema meiner Arbeit. Transformation ist für mich etwas sehr persönliches, denn es beschreibt die Veränderungen. Meine Absicht ist es, Visionen darzustellen, die für sich selbst sprechen in Form von Bildern und Objekten, welche die Phantasie der Betrachter beflügeln sollen, um ihn in eigene Erinnerungen zu verwickeln. Sie sollen die Zeit, die Gedanken der Vergangenheit und der Gegenwart symbolisieren und gleichzeitig die Veränderungen – Transformationen - meiner Persönlichkeit, meines Denkens und Handelns darstellen.
Meine Bilder sind Antworten auf die Konfrontation mit einer neuen Kultur, einer neuen Sprache und einem neuen Leben. Der absolute Wandel zwischen wirtschaftlicher und sozialer Abhängigkeit und Unabhängigkeit, deren Auswirkungen auf mein Denken, meine persönliche Art, die Dinge zu sehen, die Entstehung und Entwicklung eines neuen sozialen Umfeldes, das mit der Zeit immer wieder eine neue Dynamik erhält, die anfänglichen Erwartungen und Hoffnungen des Studiums, damit eines neuen Lebensabschnitts sowie die Ungewissheit darüber, was danach auf mich erwarten würde - dies sind Momente jener Transformation, die ich meine. Eine Familie, die mehr denn je zusammenhält, trotz der Distanz zwischen unseren zwei Welten – Europa und Lateinamerika, fühlt sich heute mehr verbunden als früher. So kann ich Distanz überbrücken, wie es in meiner Situation der Fall ist.
All diese Momente der Veränderung haben zu der Frage beigetragen, ob diese Erfahrungen gut genug sind, um letztendlich zufrieden mit dem Ergebnis dieser Zeit zu sein. Hat sich das Studium und ein Leben im Ausland gelohnt? Kann ich dieses Kapitel meines Lebens mit der Überzeugung schließen, vieles gelernt zu haben, das mich weiter antreibt, um das nächste Ziel zu erreichen, oder ist es mehr Frustration als Erfolg, was mich bis zu diesen Punkt gebracht hat?
Diese Fragen sind das Thema meiner Analyse und meiner Arbeit, die ich dem Betrachter zugänglich machen möchte. Meine Absicht ist es, Erinnerungen, Erfahrungen und Abenteuer einzufangen und die verschiedenen Momente des Wandels aufzuzeigen. All diese verwirrenden und scheinbar nicht zusammenpassenden Elemente haben gemeinsam, dass sie durch die Konfrontation eine Balance herstellen von dem, was mir in Erinnerung blieb und von dem, was ich reell als Transformation bezeichnen will.
Georgina Beier . Grafiken20. August ’05 - 17. November '05
Georgina Beier wurde 1938 in London geboren.
Mit 21 Jahren ging sie nach Nigeria um die für sie so „kulturell trostlose“ Umgebung von London-Sutton zu entfliehen; die Kunstschule dort hatte sie „nicht wachgerüttelt“.
In Nigeria entfalteten sich ihr aufregend viele Kulturen, nicht ein Lebensstil – unzählige. Ihre Vielseitigkeit in der Wahl der Medien ist Resultat ihrer Entdeckungen. 1963 gründete sie mit ihrem Mann (dem deutschen Literaturwissenschaftler Ulli Beier) in Oshogbo den Mbari Mbayo Workshop für Malerei und Druckgrafik. Aus ihm gingen, heute von Weltruf, Künstler wie z.B. Muraina Oyelami, Twins Seven-Seven, Rufus Ogundele und Adebisi Fabunmi hervor. Ihre eigene Arbeit umfasst Malerei und Skulptur, Lithografie und Seriengrafien, handbedruckte Stoffe, Möbel und Schmuck sowie Mosaike und Wandmalereien.
Druckgrafiken aus der Oshogbo-Zeit sind kraftvolle Kompositionen von wenigen Figuren, die vor einem weitgehend abstrakten und roh gemusterten Hintergrund angeordnet sind, mit weißen Linien auf schwarzem Grund gedruckt. Ihre Wandmalereien bestehen oft aus großformatigen, bunten Formen und abstrakten Figuren, die gänzlich ohne Bildtiefe auf der Oberfläche erscheinen und manchmal einen freundlichen Zug ins Comichafte aufweisen.
Ab Ende1967 folgten für die Beiers u.a. die Stationen Port Moresby, Papua New Guinea und Sydney, Australien und Indien. Auch hier arbeitete Georgina mit einer Reihe Künstler, half ihnen ihr „inneres Auge“ zu erkennen und zu benutzen. Immer wieder folgten Besuche in Nigeria. Denn hier entdeckte sie ihre Berufung als nomadische Künstlerin – auf allen Kontinenten zuhause.
Georginas Fertigkeiten in der gesamten Spannbreite der Disziplinen ermöglichte es ihr, vielen Künstlern Hilfestellung zu leisten und Ratschläge zu geben. 1980 zog sie nach Bayreuth. An dem von ihrem Mann gegründeten Afrika-Zentrum der Uni Bayreuth, dem IWALEWA-HAUS, begann ihre europäische Schaffensphase. Seit 1997 lebt sie mit ihrer Familie wieder in Sydney.
Über ihre Malerei schrieb der große sudanesische Maler Ibrahim el Salahi in einem Essay: „Wie sie eine Linie handhabt, ist phantastisch! Es ist eine sehr klare und sehr einfache Linie, aber sie ist sehr stark und sie hat Kraft, den Raum zu bestimmen. Ich finde es erstaunlich, denn ihre großen Zeichnungen sind wie eine einzige Bewegung konzipiert.
Ob die Bildfläche groß oder klein ist, macht keinen Unterschied. Sie hat diese Fähigkeit, den Raum mit einer einfachen Linie zu bändigen, als ob sie das Verhältnis der verschiedenen Flächen zueinander in ihrem Geist schon genau entwickelt hätte und die Linie nun nur noch diese Kenntnis des Raumes zu demonstrieren brauchte. Andere müssen sich mit ihr plagen - ihre ist freudig und frei.“
Hildegard Wohlgemuth - Malerei16.4.05-17.8.05
Malen als Befreiung
Die Bilder der Bettelkönigin
Die Bettelkönigin steht auf dem Hamburger Gänsemarkt, hat bunte, mit Rüschen verzierte Kleider übereinander gezogen: eine kugelrunde, freundliche Frau mit dem Charme eines Kindes. Mit dem Schild, das sie sich umgehängt hat, bittet sie die Passanten um Geld für Filzstifte. Sie, die sich „schizophren“ nennt, malt. Sie malt skurril und naiv anmutende Bilder des Grauens und der Hoffnung. Eine „merkwürdige“ Person. Fährt mit einem Roller durch Hamburg. Verkauft oder verschenkt ihre knallbunten Bilder. Phantastische Bilder, in denen sie immer wieder ihre Erlebnisse verarbeitete – ihr furchtbares und ihr wunderbares Leben. Hildegard Wohlgemuth wurde 1933 als Tochter eines Forstmeisters im Memelland (Ostpreußen) geboren. Ihre Familie verlor sie durch die Kriegsereignisse. In einem Kinderheim wurde sie zunächst versorgt. Gegen Kriegsende begaben sich die Kinder mit ihren Betreuerinnen auf die Flucht nach Westen. Unterwegs traf sie das Ereignis, das Hildegards Leben und ihre weitere Entwicklung bis zu ihrem Ende prägte und ihre Kindheit jäh beendete. In einem Leipziger Luftschutzkeller wurden alle 26 Kinder aus ihrem Heimatort von Bomben getroffen und getötet. Hildegard überlebte als einzige und stand fortan allein auf der Straße – im Alter von 11 Jahren! Die Gefährten ihrer Kindheit hat sie zeitlebens nicht vergessen können. Ihren Tod konnte sie nicht akzeptieren. So ließ sie diese Kinder in ihrem Kopf und auch konkret in ihrer Wirklichkeit weiterleben. Ärzte diagnostizierten bei ihr eine Schizophrenie, weil sie weiter die Stimmen ihrer toten Freunde hörte. Und so verbrachte sie nach dem 2. Weltkrieg deswegen viele Jahre in psychiatrischen Krankenhäusern. Erst als sie schwanger wurde, gelang es ihr mit Hilfe einer engagierten Ärztin eine eigene Wohnung zu beziehen. Für die Tochter, die sie zur Welt brachte, wollte sie ein Zuhause haben. Malen war das Ausdrucksmittel, durch das sie ihre innere Welt mitteilen konnte und wodurch ihr Leben in mehrfacher Weise Sinn bekam. Sie begann damit ziemlich spät, erst im Alter von 52 Jahren. Eine Künstlerin, Elisabeth Ediger, sprach die stadtbekannte Bettlerin an und lud sie zu sich nach Hause ein. Einmal wöchentlich durfte sie seitdem bei ihr sein und in ihrem Atelier malen. Und schon bald entdeckte Hildegard, wie viel Freude sie selbst aber auch andere an ihren Bildern hatten. Phantasiewelten. Sie haben Hildegard Wohlgemuth am Leben gehalten. Das endgültige Sterben der Kinder in ihren Gedanken und Vorstellungen hätte sie nicht verkraftet. Die Stimmen begleiteten sie ihr ganzes Leben lang. Als Tiere, Pflanzen und Figuren sind sie auch in ihren Bildern präsent. In den letzten Jahren vor ihrem Tod – sie verstarb im Alter von 70 Jahren am 11.11.2003 in Hamburg – schaffte sie es, mit ihren Bildern und ihrer Geschichte noch ein beachtliches Maß an öffentlicher Anerkennung zu finden.
Der Norddeutsche Rundfunk produzierte einen erfolgreichen Fernsehfilm über ihr Leben und Werk. # Der Hamburger Psychiatriedozent Dr. Thomas Bock lud sie zu Kongressen ein, nahm sie zu Schulveranstaltungen mit und schrieb, zusammen mit der Journalistin Irene Stratenwerth, ein inzwischen preisgekröntes Kinderbuch über „die Bettelkönigin“. # Auch im Kunstkontext wurden ihre Bilder gezeigt, so z.B. in den Städtischen Kunstsammlungen Schloss Salder, Salzgitter. # Zahlreiche weitere Ausstellungen fanden in sozialen Einrichtungen statt, u.a. in der Obdachlosenhilfe Freiburg und im Brunnenhaus Bayreuth.
Immer öfter gelang es ihr im Alter auch etwas Geld für ihre Bilder zu bekommen. Aber wenn man hoffte, sie würde sich dafür selbst mal etwas gönnen, lag man falsch. Immer waren es andere, die aus ihrer Sicht gesehen Hilfe nötiger brauchten als sie selbst: die Obdachlosen und Bettler, mit denen sie lange zusammengelebt hatte, ihre Tochter und - vor allem – ihre vier Enkelkinder, von denen sie mit Stolz und Freude überall erzählte. Sie alle wurden von Hildegard, wann immer sie ein paar Mark oder Euro in den Händen hielt, liebevoll versorgt und beschenkt.
Nihat Ay - Malerei, Zeichnung & Skulptur9.1.-10.4.05
In der Türkei geboren kam Nihat Ay mit seinen Eltern 1970 nach Deutschland. Nach seinem Schulbesuch, den er 1989 mit dem Abitur abschloss, stand er vor der Wahl sich für ein Kunst oder Mathematikstudium zu entscheiden. In den zum Teil großformatigen Ölbildern dominieren Kegelförmige Körper quasi als Brückenelement zum Betrachter. Sie schweben bei anscheinend harmlosen Tätigkeiten, ebenso faszinierend wie beunruhigend eigenlebendig. Nicht allein ihre äußere Haltung entspricht der eines Schwebezustands, sondern ebenso die Innere. Und nach längerem Betrachten teilt sich die Frage, die sich der Künstler gestellt haben könnte mit: Bin ich isoliert und gefangen im eigenen Ich oder integriert in meiner Umwelt? Dem Ungewissen in unserem Handeln und Fühlen, dem ständigen Verändern, eben dem Metaphoren gilt sein Interesse. Nihat Ay arbeitet heute an wissenschaftlichen Komplexitätstheorien an internationalen Instituten.
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